复古先锋探索——浅析《战神》“一枪到底”

新《战神》上映已经快半个月了，想必大多数人都已经看完了。 对于游戏“一击到底”的核心技术在游戏中的表现如何，相信大家都有自己的判断。 本文主要尝试从镜头艺术和游戏技术两个角度进行分析。 为了避免主观争论，尽量不要做出价值判断。

由于我不是电影专业人士，也不精通游戏编程，所以老实说我没有资格对这个话题发表严肃的意见。 虽然在过去的游戏制作过程中，我在这两方面都有过一些粗浅的经验，也会尝试去请教身边专业人士的意见，但还是会有遗漏和错误的地方，希望相关专业的朋友能够指点出他们。

“一枪到底”的理念其实很复古

如果把游戏看成一部互动电影，《一枪到底》可以看成一个长达十多个小时的长镜头。 整部电影只有一个镜头，听起来很前卫、很实验，但其实是一种很复古的表现方式。 因为这就是电影最初的样子。 故事从相机打开时开始，到相机关闭时结束。 一部电影只有一个镜头、一个时间和空间，本质上是一部投射在二维屏幕上的独幕剧。

但观众很快就厌倦了此类电影，就连电影的发明者卢米埃尔兄弟也不看好它的前景。 直到1903年的《火车大劫案》，之一次将多个镜头拼接在一起表达一个故事，人们才发现了电影的巨大潜力。 理论家借用了一个建筑词汇——蒙太奇，称之为“镜头之间的拼接”。

电影的发明者卢米埃尔兄弟。 在史前时代，电影没有多个镜头的概念，而且往往很短。 当时只是纯粹的娱乐，有点像现在的短视频。

蒙太奇的发明对于电影来说就像从无声到有声的转变一样重要，甚至更重要。 后来一代又一代的导演大师发展了蒙太奇、叙事蒙太奇、表现蒙太奇，分为几个分支。 电影理论也日趋成熟。 从街头马戏团般的把戏到精致的艺术形式，可以说蒙太奇拯救了电影。 《电影语言》一书直言：电影是蒙太奇的艺术，长镜头逐渐成为蒙太奇的支流和点缀。

2001年的《俄罗斯方舟》是长镜头一百年后的复兴。 整部电影时长90分钟，只拍摄了一个镜头。 拍摄难度极大，不容易。

《火车大劫案》被认为是之一部使用蒙太奇的电影，距电影发明七八年。

拍摄到最后的《俄罗斯方舟》的评价，无论是观众层面还是选材层面，似乎都不算太高。 此后，很少有商业电影做过这种开创性的实验。

令人惊奇的是，游戏也遵循了与电影相同的路线。 我们可以把《乒乓》和《小蜜蜂》视为游戏的长镜头时代。 自从游戏开始需要讲故事以来，蒙太奇就成为了必要的手段。 将前后两个镜头拼接在一起，可以让观众在脑海中产生因果联系，或者说产生作者想要的感受。 这是最经济、最有效的方法。

然而，放弃蒙太奇而只使用长镜头，有很多无法克服的障碍。

使用镜子时不能克服的障碍有哪些？

首先，整个故事的时间和空间受到很大的限制。 从时间上来说，角色所经历的一切都必须从头到尾记录下来，即银幕时间等于故事中的时间。 开头和结尾都没有选择，故事很容易变得冗长。 如果我们要表达角色出门，乘坐地铁从A点到B点，那么摄像机必须从他离开家战神复古，走到地铁站，上车，下车的那一刻开始跟随他。火车。 需要几十分钟，完全没有意义。 如果用蒙太奇的话，5秒，三个镜头。

经典电影《热血警探》通过快速镜头切换，展现了主人公在短短几秒钟内从城市迁移到乡村的过程。 想象一下，如果一枪打到底……

当然，有一些我们熟悉的技术可以处理镜头内的时间跨度。 最经典的是特写镜头或镜头平移到天空然后再平移回来。 数百年过去了，大海已经发生了变化。 但这种手法往往只能使用一两次，否则会显得刻意、唐突。 从空间上来说，故事必须发生在连续的空间中，人物的所有动作也必须是连续的。 这与当今游戏中常用的转移点和关卡的概念相冲突。

那么我们来看看《战神》是如何处理的：首先，避开剧情中的时间跨度。 故事时间就是玩家的游戏时间。 这就需要玩家在故事发生之前对背景有足够的了解，然后通过人物之间的对话来做。 补充。

那么，所有人物的记忆和心理活动都不能通过倒叙，即心理蒙太奇来表达，而只能通过人物所看到的幻觉、阴间的图像、天空的幻象以及人物的自我来表达。 -讲话。 庆幸的是，这些东西在战神的世界观里并不是很突兀。 如果换成《古墓丽影》，玩家肯定会认为劳拉患了妄想症。

最后，两个事件之间充满了战斗和有趣的对话。 奎托斯和密米尔之间无尽的故事很好地减少了旅程的无聊。 有时我什至为了听故事而故意拒绝下船。

对于空间问题，通过“王国传送室”和“世界树的树枝”进行连接，让镜头跟随角色进入一个过渡空间，在不切断镜头的情况下实现空间变换，就像在高空中一样。 - 高层建筑。 就像电梯一样，剧情也能说得过去。 制作人真的很用心这方面，这是我能想到的更好的解决方案。

每次切换国家传送，其实都是为了维护相机和缓冲外部地图读取。

但是，尽管这样的处理技术很有效，但它们并不适合所有游戏。

其次，长镜头限制了叙事的多线性性。 镜头的拼接很容易让观众明白同时发生的两件事。 镜头围绕不同的人物切换，故事从不同的路线推进，最后汇聚到一起，故事结束。 这是现代电影中常见的手法。

因此观众知道角色不知道什么，也知道哪些角色知道什么、不知道什么，这是构建复杂故事不可或缺的一部分。 如果没有这一点，故事很容易造成人物之间的混乱，最终变成无聊的轶事。

至此，《战神》只能尽力弥合差距，讲述单线故事，理顺单线上的因果关系。 主角看到的所有信息都是玩家能看到的，所有能知道的人物关系也都被揭晓。 剧中的主角一看就知道他是一个有点正宗的人。 为此，有些场景其实是很刻意的。

比如巴德尔和他的两个侄子质问密米尔，巴德尔与芙蕾雅和他的幻影自言自语，这些都是强行放置来解释人物关系的。 虽然主角在黑暗中没有被发现，但也有道理，只是有点太巧合了。

但想象一下，如果去掉这两段，玩家会对后续的剧情感到困惑，所以我猜冥界魅影也是为了服务于长镜头叙事而创造的。 使用这种处理其实有点唐突，而且逻辑也不是太严格，但确实没有更好的办法。

第三，人物情感的传达会变得更加困难。 有一个非常著名的电影实验：将同一张没有表情的男人的脸与三种不同的东西拼接起来，观众会觉得这个男人有表情，感受到三种完全不同的情绪。 这称为库里霍夫效应。

库利绍夫效应

在长镜头中，要达到同样的效果，需要更长的镜头持续时间、更多的肢体语言和对话。 这或许也是《战神》中很多人物这次都非常健谈的原因。

综上所述，其实这三个问题可以归结为一点：时间和空间的限制导致的信息传递成本过高，也限制了闪回、倒叙、以及时间和空间的交错。

新《战神》上映已经快半个月了，想必大多数人都已经看完了。 对于游戏“一击到底”的核心技术在游戏中的表现如何，相信大家都有自己的判断。 本文主要尝试从镜头艺术和游戏技术两个角度进行分析。 为了避免主观争论，尽量不要做出价值判断。

由于我不是电影专业人士，也不精通游戏编程，所以老实说我没有资格对这个话题发表严肃的意见。 虽然在过去的游戏制作过程中，我在这两方面都有过一些粗浅的经验，也会尝试去请教身边专业人士的意见，但还是会有疏漏和错误的地方，希望相关专业的朋友能够指点出他们。

“一枪到底”的理念其实很复古

如果把游戏看成一部互动电影，《一枪到底》可以看成一个长达十多个小时的长镜头。 整部电影只有一个镜头，听起来很前卫、很实验，但其实是一种很复古的表现方式。 因为这就是电影最初的样子。 故事从相机打开时开始，到相机关闭时结束。 一部电影只有一个镜头、一个时间和空间，本质上是一部投射在二维屏幕上的独幕剧。

但观众很快就厌倦了此类电影，就连电影的发明者卢米埃尔兄弟也不看好它的前景。 直到1903年的《火车大劫案》，之一次将多个镜头拼接在一起表达一个故事，人们才发现了电影的巨大潜力。 理论家借用了一个建筑词汇——蒙太奇，称之为“镜头之间的拼接”。

电影的发明者卢米埃尔兄弟。 在史前时代，电影没有多个镜头的概念，而且往往很短。 当时只是纯粹的娱乐，有点像现在的短视频。

蒙太奇的发明对于电影来说就像从无声到有声的转变一样重要，甚至更重要。 后来一代又一代的导演大师发展了蒙太奇、叙事蒙太奇、表现蒙太奇，分为几个分支。 电影理论也日趋成熟。 从街头马戏团般的把戏到精致的艺术形式，可以说蒙太奇拯救了电影。 《电影语言》一书直言：电影是蒙太奇的艺术，长镜头逐渐成为蒙太奇的支流和点缀。

2001年的《俄罗斯方舟》是长镜头一百年后的复兴。 整部电影时长90分钟，只拍摄了一个镜头。 拍摄难度极大，不容易。

《火车大劫案》被认为是之一部使用蒙太奇的电影，距电影发明七八年。

拍摄到最后的《俄罗斯方舟》的评价，无论是观众层面还是选材层面，似乎都不算太高。 此后，很少有商业电影做过这种开创性的实验。

令人惊奇的是，游戏也遵循了与电影相同的路线。 我们可以把《乒乓》和《小蜜蜂》视为游戏的长镜头时代。 自从游戏开始需要讲故事以来，蒙太奇就成为了必要的手段。 将前后两个镜头拼接在一起，可以让观众在脑海中产生因果联系，或者说产生作者想要的感受。 这是最经济、最有效的方法。

然而，放弃蒙太奇而只使用长镜头，有很多无法克服的障碍。

使用镜子时不能克服的障碍有哪些？

首先，整个故事的时间和空间受到很大的限制。 从时间上来说，角色所经历的一切都必须从头到尾记录下来，即银幕时间等于故事中的时间。 开头和结尾都没有选择，故事很容易变得冗长。 如果我们要表达角色出门，乘坐地铁从A点到B点，那么摄像机必须从他离开家，走到地铁站，上车，下车的那一刻开始跟随他。火车。 需要几十分钟，完全没有意义。 如果用蒙太奇的话，5秒，三个镜头。

经典电影《热血警探》通过快速镜头切换，展现了主人公在短短几秒钟内从城市迁移到乡村的过程。 想象一下，如果一枪打到底……

当然，有一些我们熟悉的技术可以处理镜头内的时间跨度。 最经典的是特写镜头或镜头平移到天空然后再平移回来。 数百年过去了，大海已经发生了变化。 但这种手法往往只能使用一两次，否则会显得刻意、唐突。 从空间上来说，故事必须发生在连续的空间中，人物的所有动作也必须是连续的。 这与当今游戏中常用的转移点和关卡的概念相冲突。

那么我们来看看《战神》是如何处理的：首先，避开剧情中的时间跨度。 故事时间就是玩家的游戏时间。 这就需要玩家在故事发生之前对背景有足够的了解，然后通过人物之间的对话来做。 补充。

那么，所有人物的记忆和心理活动都不能通过倒叙，即心理蒙太奇来表达，而只能通过人物所看到的幻觉、阴间的图像、天空的幻象以及人物的自我来表达。 -讲话。 庆幸的是，这些东西在战神的世界观里并不是很突兀。 如果换成《古墓丽影》，玩家肯定会认为劳拉患了妄想症。

最后，两个事件之间充满了战斗和有趣的对话。 奎托斯和密米尔之间无尽的故事很好地减少了旅程的无聊。 有时我什至为了听故事而故意拒绝下船。

对于空间问题，通过“王国传送室”和“世界树的树枝”进行连接，让镜头跟随角色进入一个过渡空间，在不切断镜头的情况下实现空间变换，就像在高空中一样。 - 高层建筑。 就像电梯一样，剧情也能说得过去。 制作人真的很用心这方面，这是我能想到的更好的解决方案。

每次切换国家传送，其实都是为了维护相机和缓冲外部地图读取。

但是，尽管这样的处理技术很有效，但它们并不适合所有游戏。

其次，长镜头限制了叙事的多线性性。 镜头的拼接很容易让观众明白同时发生的两件事。 镜头围绕不同的人物切换，故事从不同的路线推进，最后汇聚到一起，故事结束。 这是现代电影中常见的手法。

因此观众知道角色不知道什么，也知道哪些角色知道什么、不知道什么，这是构建复杂故事不可或缺的一部分。 如果没有这一点，故事很容易造成人物之间的混乱，最终变成无聊的轶事。

至此，《战神》只能尽力弥合差距，讲述单线故事，理顺单线上的因果关系。 主角看到的所有信息都是玩家能看到的，所有能知道的人物关系也都被揭晓。 剧中的主角一看就知道他是一个有点正宗的人。 为此，有些场景其实是很刻意的。

比如巴德尔和他的两个侄子质问密米尔，巴德尔与芙蕾雅和他的幻影自言自语，这些都是强行放置来解释人物关系的。 虽然主角在黑暗中没有被发现，但也有道理，只是有点太巧合了。

但想象一下，如果去掉这两段，玩家会对后续的剧情感到困惑，所以我猜冥界魅影也是为了服务于长镜头叙事而创造的。 使用这种处理其实有点唐突，而且逻辑也不是太严格，但确实没有更好的办法。

第三，人物情感的传达会变得更加困难。 有一个非常著名的电影实验：将同一张没有表情的男人的脸与三种不同的东西拼接起来，观众会觉得这个男人有表情，感受到三种完全不同的情绪。 这称为库里霍夫效应。

库利绍夫效应

在长镜头中，要达到同样的效果，需要更长的镜头持续时间、更多的肢体语言和对话。 这或许也是《战神》中很多人物这次都非常健谈的原因。

综上所述，其实这三个问题可以归结为一点：时间和空间的限制导致的信息传递成本过高，也限制了闪回、倒叙、以及时间和空间的交错。

不仅仅是艺术和设计，更是对技术的挑战

说完艺术设计交流，我们再来谈谈对游戏技术的影响。

首先，关卡必须是无缝的，至少没有缺陷。 当然，如今的游戏引擎在地图加载和优化处理方面已经非常完善，但同时计算的多边形数量仍然有限，所以地图瓦片肯定是不可避免的。

为了保持素材不间断，《战神》采用了更巧妙的方法，就是将整个大地图分成小块，有很多石门，相当于小关卡。 每个小层仅包含两扇门之间的空间。 门外的一小段内容，然后用程序把它拼凑起来。

当门关闭时，门内的内容是不可见的，因此不参与计算。 开门过程被锁定，即开门时自动播放动画，并且摄像机位置也被锁定。 关卡的切换和加载是在门打开前的一瞬间完成的，这其实是一个技巧。

这样做的好处是可以实现无缝连接，缺点是自由度降低，周围有敌人时门打不开。 否则，战斗中加载关卡时，敌人就会被直接消灭，帮派也会立刻被打败。 另外，游戏中也经常使用强光来切换关卡。 如果仔细观察，其实可以发现前后摄像头的位置略有变化，不过这么小的瑕疵也无伤大雅。

上面的叠加就完成了一次地图切换，处理得相当巧妙。

从程序上来说，一拍也会带来很多问题。 《战神》中很多重要的BOSS战都会插入固定的动画表演。 比如奎爷对战博德。 他首先挡住了向前的一拳，然后用反手斧击中了巴尔德的肩膀。 然后他被反击击飞，巴尔德转而愤怒。 状态。 在自由开放的状态下，一次完成这组表演是极其复杂的。

首先，当敌人的生命值下降到一定比例后，程序必须确定使用前冲的适当时机。 敌人不能距离主角太远，也不能太近，否则动画表现会感觉突兀。 两者不能太靠近页面边缘。 虽然可以强迫它们移动到合适的位置进行表演，但不能太明显，至少周围的场景不能有明显的跳跃。 这也是一个复杂的决定，需要大量的测试和调整。

这个动画表现衔接已经做得很好了，但是还是可以发现角色有很小的强迫位移。

相比之下，当HP达到一定百分比时，直接切镜头，然后动画结束时，直接归为战斗开始。 从程序判断上来说，这并不是一个简单的过程。

在 3D 游戏中，相机也是错误的主要来源。 现代游戏中的大多数方向指令都是使用相机作为坐标来确定的。 摄像机和角色位置的偏差很容易导致指令判断错误。

所以，这次的过肩视角肯定是为了表现力，另一方面也可能是为了降低单镜头的风险。 在战斗中保持角色的朝向与摄像机的朝向一致，不仅可以避免确定移动指令的问题，还可以让摄像机在进行各种表演后快速返回到其位置。

所以，一个镜头的结尾似乎只适合用过肩的视角来呈现。 如果是传统的“战神”视角，在不切割镜头的情况下，镜头在打开状态下会进行大范围的移动和旋转，很容易产生bug。 。

当然，这些都是一个三流游戏制作人根据自己的经验做出的猜想，加上一些合理的推测。 但毫无疑问，“一镜到底”技术的实现，需要从策划、剧本、镜头导演、美术、节目整个团队的全力配合，以及导演执行的强大勇气。它。 它永远不会看起来那么容易。 破解这个难题之后，团队的融合度应该也会达到一个更高的水平。 忍不住期待他们接下来的作品。

放弃镜头拼接，就像在游戏创作中砍掉一条手臂，增加三个手指一样。 同时我们还要照顾到游戏本身的流程以及各种世界观的设定，再加上程序增加的难度。 想象一下，如果我是剧本创作者或者主创人员，对我施加如此严格的限制，我很可能只能放弃。 《战神》团队不仅做到了，而且做得很好。 这确实不容易。

庆祝《战神》最终上映

我想导演一定是承受着巨大的压力，才坚持走这条容易做却很难的路。 这个维京风格的姓氏一定也带有维京人的倔强感。 另一方面，“一枪到底”似乎只适合《战神》这样一个故事相对简单、世界观发展空间足够的系列。

至于“一拍到底”的成本，或者如果采用更传统的镜头拼接效果是否会更好，我在这里不敢下结论。 但这次实验的结果已经足够惊人，外界的好评也证明这些努力是值得的。 长镜头本身应该是一种手段。 如果你想要，你可以忍受，如果你不想要，你可以放弃。 当它本身成为目的时，很多传统习惯都会受到挑战，所以我真的不得不佩服圣莫尼卡的勇气。

索尼的许多之一方和第二方工作室，如 Santa 、 Dog、Dream 等都具有这种先锋精神。 如果把游戏产业比作一个等腰三角形，任天堂所做的就是扩大基础，告诉我们游戏的本质，告诉我们“游戏就应该是这样的”； 而索尼工作室正在探索三角形的高度，让人们惊叹“游戏还可以这样”。 我认为他们是行业中的二元人物，就像米开朗基罗和达芬奇、巴赫和贝多芬一样。 他们看似对立，实际上却在共同努力，共同开拓游戏的边界。